Remise en Je
Stéphanie Hoareau
du 30 octobre au 28 novembre 2026
" Cette exposition prend sa source dans la découverte de photographies familiales anciennes. Certaines me représentent enfant, d'autres montrent des personnes, des lieux ou des situations dont je ne conserve aucun souvenir ; ou antérieur à mon existence. Ces images appartiennent pourtant à mon histoire. Elles constituent des traces d'un passé qui m'est à la fois familier et étranger. (...)
À travers cette exposition, je cherche à remettre ces images en jeu, à les déplacer, à les transformer pour leur donner une autre existence. C'est aussi une manière de questionner ma propre construction, à partir de souvenirs parfois incertains, parfois imaginés."
Quatre années après le décès de son père, Stéphanie Hoareau aide une tante à déménager. Là, elle découvre deux caisses remplies de photographies de famille. Les images lui permettent de se découvrir bébé, enfant, pré-adolescente. Elle retrouve les visages, les corps, les regards, les vêtements, les objets d’un quotidien dont elle se souvient à peine, voire pas du tout. Elle décide de travailler à partir de cette matière visuelle qui lui est aussi familière qu’étrangère. Un projet au long cours débute et adopte différentes formes. Elle dessine à la surface de feuilles de porcelaine brisées et réparées grâce à la technique japonaise du kintsugi. L’or comble les fêlures. Elle sculpte des bustes d’enfants en colère, les yeux noircis par la rage. Évacuant tout contexte, elle dessine les corps des membres de sa famille au crayon blanc sur papier noir. Dans cet espace non défini, nous nous concentrons sur leurs positions, leurs regards, leurs expressions, leurs hypothétiques rôles au sein d’une famille dont nous ne savons rien.
Depuis 2018, l’artiste mène une recherche aussi intime que collective. Une quête plastique, émotionnelle et politique, portée par une profonde remise en question de la représentation stéréotypée de l’espace de l’enfance — celle des rires et des chants, des monstres gentils. Une remise en jeu d’une mémoire traumatique, d’une amnésie qui laisse des souvenirs fragmentés, en pointillés, refabriqués. Un black-out pour survivre. Un vide inquiétant que Stéphanie Hoareau remobilise pour trouver des chemins de soin, de réparation, d’apaisement. L’un des chemins choisis est celui des jeux d’enfants : des bras sortent des murs pour nous montrer une bille, une toupie péi ou encore trois bébèt l’argent. Les bras sont des surgissements fantomatiques et inquiétants d’objets vecteurs d’une mémoire affective. Ils sont accompagnés de dessins sur papier noir et de peintures réalisées à partir de photographies familiales légèrement modifiées. Avec une grande pudeur, l’artiste génère des troubles, des mises à distance, des déplacements, des zones floues, des ajouts quasi imperceptibles. Les œuvres sont nourries de silences, de manques, de non-dits, de dénis, de secrets, de violences sourdes.
La racine latine du mot enfant est infans : celui qui ne parle pas, celui qui se tait. Celui à qui l’on dit de se taire. En refusant une assignation collective, celle d’une enfance nécessairement innocente et heureuse, l’artiste fait le choix d’observer et d’écouter les émotions qui peuvent déranger. L’île aux enfants n’est pas un paradis pour toustes. Par le dessin, la sculpture et la peinture, Stéphanie Hoareau traduit la difficulté de dire une violence systémique, celle de la domination adulte qui nous concerne collectivement.
Julie Crenn, commissaire d'exposition indépendante
Stéphanie Hoareau
Née à Paris en 1982 de parents réunionnais, Stéphanie Hoareau vit et travaille à La Réunion.
Le dessin occupe une place centrale dans une pratique qui mêle peinture et sculpture. Son travail prend racine dans ses propres archives photographiques, qu’elle explore comme une matière vivante. Les images du passé deviennent un terrain d’observation sensible où réalité et ressenti, mémoire et imaginaire dialoguent. Ses œuvres donnent une place aux figures ordinaires qui peuplent son quotidien et résonnent au-delà des générations et des histoires individuelles.
- 3 artistes qui ont compté pour toi, et pour quelles raisons ?
Pour cette recherche plusieurs artistes ont nourri ma réflexion, autant dans leur manière d'aborder l'image que dans leurs choix plastiques. Il y en aura donc 4.
Gerhard Richter m'intéresse particulièrement pour son rapport à la photographie et à la peinture. Dans ses peintures réalisées à partir d'images photographiques, il conserve notamment les flous et les imperfections de l'image d'origine. La peinture ne cherche plus nécessairement à représenter le réel, mais à reproduire une image déjà médiatisée par la photographie. Cette démarche fait écho à mes recherches actuelles, dans lesquelles je reproduis volontairement les accidents photographiques : déchirures, altérations, décolorations ou défauts de prise de vue. Ce qui m'intéresse, c'est cette ambiguïté entre l'image photographique et sa traduction picturale.
Hans Op de Beeck est une référence importante pour mon univers sculptural, notamment ses représentations d'enfants. Ses sculptures possèdent une présence à la fois très réaliste et profondément étrange. Les personnages semblent suspendus dans un temps indéfini, comme figés dans un souvenir ou dans un rêve. J'aime cette manière de créer des situations silencieuses qui laissent au spectateur la liberté d'imaginer ce qui s'est passé ou ce qui pourrait advenir.
AES+F m'intéresse pour sa manière de convoquer les codes de la peinture classique dans des œuvres contemporaines, notamment à travers la vidéo. Dans Last Riot, le collectif met en scène de jeunes personnages engagés dans des affrontements qui évoquent autant la peinture d'histoire que les univers virtuels et les jeux vidéo. Les compositions sont extrêmement construites, presque chorégraphiées, et entretiennent un rapport troublant entre beauté et violence. J'aime cette capacité à faire coexister des références esthétiques.
Giulia Andreani constitue une référence importante, car elle utilise également l'archive photographique. Elle prélève des images issues de l'histoire, de documents ou de photographies personnelles pour les réinterpréter par la peinture. Ce qui me touche dans sa démarche, c'est sa manière de redonner une présence à des figures parfois oubliées, en faisant de la peinture un espace de relecture du passé. Son travail montre qu'une photographie d'archive n'est jamais une image figée : elle peut devenir le point de départ de nouveaux récits, de nouvelles interprétations.
